Cuando el legado musical importa más que el éxito personal.
“Queremos que el foco esté en la música. Si tenemos que crear una imagen, debe ser una imagen artificial. Esa combinación oculta nuestra persona y también muestra nuestra visión del sistema.” - Thomas Bangalter
En pleno 2020 podemos percatarnos que ha habido dos géneros que, a partir de finales de la década de los noventa, han sido los más influyentes en lo que sería el rumbo de la música actual: el hip hop y la electrónica (o EDM).
Nos encontramos en una época donde los grandes éxitos musicales tienen algún tipo de influencia por estos estilos, los cuales, cuentan con una similitud a la hora de la composición musical ya que ambos acuden a los clásicos del funk, soul, blues y rock & roll de los años setenta y ochenta para así traer a las nuevas generaciones dichos sonidos que merecen ser recordados.
No debe ser sorpresa que los más renombrados artistas, como primer punto para alcanzar el éxito, necesiten de entrada un amplio catálogo musical el cual siempre puedan consultar para saber cuál será su próxima propuesta y uno de los dúos musicales que mejor han sabido aprovechar de esto es el conformado por los parisinos Thomas Bangalter y Guillaume Emmanuel "Guy-Manuel" de Homem-Christo, mejor conocidos como Daft Punk.
Rodeados de un misticismo debido a su evidente imagen, Daft Punk ha sido una de las propuestas musicales más influyentes en el camino de la música actual. Revolucionaron el género dance y, si hay a alguien que tenemos que agradecer que dicho género haya dejado de ser considerado como underground para abrirse camino como uno de los más apoyados y seguidos por grandes multitudes, es a Daft Punk. Todos, absolutamente todos los DJs de la actualidad, fueron influidos en pequeña o gran escala por ellos y quien se jacte de lo contrario, puedo asegurar que estará mintiendo.
El dúo no fue adelantado a su época, llegaron en el momento preciso donde existía una transición de incertidumbre ya que el pop y el rock se encontraba perdiendo fuerza entre las multitudes. No era por falta de propuestas de dichos géneros, lo que sucedió fue el cambio generacional, que sucede en cada década, en busca de algo nuevo que se alejara del estilo que solían escuchar sus padres y, Thomas y Guy, fueron parte de esos jóvenes los cuales buscaron ese sonido por años.
Veintiocho años de carrera han pasado y uno de sus mayores puntos a destacar es que tienen muy claros sus principios del porqué están haciendo música: por amor a ella. El dúo nunca buscó que los nombres de Thomas y Guy-Manuel se hicieran famosos, desde un inicio tuvieron claro que Daft Punk llegaría a ser algo inmenso, pero decidieron dar esa fama a los que serían unos de los íconos de la cultura pop más emblemáticas de la música: sus avatares, los robots.
Este es el análisis de Thomas Bangalter y Guillaume Emmanuel "Guy-Manuel" de Homem-Christo, Daft Punk.
Inicios.
Para esta sección se investigó de diversas fuentes, pero tomando como gran referente al documental Daft Punk Unchained de Hervé Martin Delpierre.
Para hablar de Daft Punk es necesario hablar de ambos miembros, por lo cual esta sección se dividirá en tres secciones: una dedicada a Thomas, otra a Guy-Manuel y finalmente, una a cuando iniciaron su carrera musical juntos.
Thomas Bangalter.
Thomas nació el 3 de enero de 1975 en la ciudad de París, Francia. Sus padres son Thérèse Thoreux, actriz e intérprete francesa de los años sesenta y setenta, y Daniel Bangalter, mejor conocido como Daniel Vangarde, compositor y productor francés de reconocido éxito de la década de los setenta para intérpretes como los Gibson Brothers, Ottawan, y Sheila B. Devotion.
Thomas empezó a tocar el piano a la edad de seis años bajo el estricto interés de sus padres en mantener su práctica, lo cual permitiría crecer bajo el interés musical más allá de solo la influencia evidente de su padre. Si bien, no hay mucha información con respecto lo que fue su infancia, Thomas ha declarado que creció en una familia que no se consideraba religiosa a pesar de que su padre sea judío y, además, ha dejado claro que nunca tuvo la intención de hacer lo que su padre hacía.
Guillaume Emmanuel "Guy-Manuel" de Homem-Christo.
Tengo que confesar que me resulto bastante peculiar encontrarme con el hecho que es realmente poca la información personal sobre Guy-Manuel previo a conocer a Thomas, reconozcamos el hecho, una vez más, del misticismo detrás de este dúo.
Guy-Manuel nació el 8 de febrero de 1974 en el suburbio parisino de Neuilly-sur-Seine. Sus padres, bueno, es un dato que permanece en el anonimato, no es broma, lo más cercano a conocer un poco de su familia es que tiene un hermano menor, Paul y que la ascendencia de ambos se remonta a tres generaciones familiares previas a él, ya que su bisabuelo fue el escritor y defensor del fascismo Homem Cristo Filho.
El primer acercamiento que tuvo con la música fue a los siete años debido a que le regalaron una guitarra de juguete y un teclado, el cual le permitió interesarse por la creación de pequeñas melodías. La música nunca se apartó de su vida, ya que a los catorce años recibió una guitarra eléctrica, la cual motivaría a su gusto particular por el rock, llevándolo a tener la inquietud de crear una banda con la cual tocar.
Thomas y Guy-Manuel.
Es, a partir de aquí, que existe más información la cual podemos conocer. El dúo se conoció en 1987, cuando cursaban el 8º grado del Lycée Carnot Public Secondary, la escuela secundaria a la que ambos asistieron a la edad de doce (Thomas) y trece (Guy-Manuel) años. Su amistad surgió debido a que ambos chicos compartían el mismo interés en la música y las películas de los sesenta y setenta, llegando inclusive a compartir su favoritismo sobre el resto por la titulada El Fantasma del Paraíso de Brian de Palma, un musical que cuenta la vida de un compositor de ópera rock es víctima de un empresario sin escrúpulos que intenta usar sus canciones para abrir una nueva casa de espectáculos, la cual influiría años más tarde en su eventual imagen robótica.
Su amistad resultó sumamente emocionante para ambos, ya que, por primera vez, pudieron desarrollar su gusto por la música fuera de sus hogares.
En 1992, después de descubrir un amor compartido por la música decidieron formar una banda. Pusieron un anuncio en la tienda Danceteria para encontrar un guitarrista y encontraron a un interesado, Laurent Brancowitz. Y así nació Darlin' , una banda de indie punk la cual marcaría la vida de ambos.
El grupo ensayó por un año para poder darse a conocer con dos canciones propias: Untitled 18 y Untitled 33. Dichas canciones lograron estar en la compilación Shimmies In Super 8 del sello discográfico Duophonic de Stereolab, además de la compilación De La Viande Pour Le Disco? de Banana Split. Sin embargo, los jóvenes de diecisiete y dieciséis años recibirían una crítica por parte de la revista británica, Melody Maker, quien los tildaría de "punk ridículo de mala calidad" ("a daft punky thrash"), lo cual ocasionaría la eventual separación del grupo, ya que los tres reconsiderarían el tipo de música que estarían haciendo.
Y sí, Laurent sería el eventual fundador de la reconocida banda de indie rock, Phoenix, pero esa es otra historia.
Ante dicha situación, Thomas y Guy-Manuel comenzarían una búsqueda de un nuevo sonido el cual encontrarían por mera casualidad el 10 de noviembre de 1992 en lo que sería su primera fiesta de rave (fiestas ilegales que suelen organizarse en lugares abandonados o zonas rurales caracterizadas por su música electrónica de baile rápida, espectáculos de luces y una duración que en ocasiones se extendía hasta el amanecer.) en la terraza del Beauborg (o mejor conocido como el Centro Pompidou). En dicha fiesta conocieron los géneros house, trance y techno, los cuales los cautivó por el hecho de ser canciones inéditas que todo mundo disfrutaba, además de que el público ignoraba por completo al DJ del sitio.
Ante dicho descubrimiento, el dúo comenzó a trabajar en música de ese estilo en el estudio casero de Thomas para posteriormente comenzar a presentarse en fiestas bajo el nombre de Daft Punk, haciendo tributo a lo que fue la crítica que disolvió Darlin’. Comenzaron a generar ruido alrededor de Europa, debido a su propuesta musical de incorporar sintetizadores en sus mezclas, lo que llevó lograr captar la atención del sello discográfico SLAM de Soma Quality Recordings:
Thomas consiguió una cita con Stuart Macmillan de SLAM, quien además era el cofundador de SQR en septiembre de 1993. En dicho encuentro, el dúo fue sumamente tímido y solamente se limitaron a saludar y colocar colocar su cinta de demostración (EP) que, en palabras del propio Macmillan “les hizo explotar la cabeza”, ocasionando que firmaran con ellos el 26 de septiembre del mismo año para la eventual publicación de dicho EP, el cual, saldría a la luz el 11 de abril de 1994 bajo el nombre The New Wave. Sin embargo, el dúo no se conformaría con dicho lanzamiento y comenzaría a trabajar en nuevo material para, dentro de un año, sacar el sencillo que los catapultaría a la fama internacional: Da Funk, además de Rollin’ & Stratchin’.
Gracias a esto, Daft Punk comenzaría a ganar fama, logrando ser uno de los actos musicales más solicitados alrededor de Europa, por lo que, asesorados por el padre de Thomas, Daniel Vangarde, les sugirió que buscaran un representante en esta nueva etapa de su carrera. Quien terminaría siendo elegido fue Pedro Winter (trabajaron con él durante diez años) quien los promocionó regularmente a ellos en sus clubes nocturnos Hype y les permitió abrirse a un nuevo público en Estados Unidos.
Adentrados en este nuevo mundo, comenzó una obsesión por querer encontrar nuevas ideas para su música por parte de ambos, llegando a experimentar desconectando parte de su equipo a propósito en diversas fiestas, leer constantemente los instructivos de sus aparatos una vez al mes y buscar rendir tributo a sus mayores influencias en la música: Giorgio Moroder, Paul Williams y Nile Rodgers.
La creciente popularidad de los sencillos de Daft Punk condujo a una guerra de ofertas entre los sellos discográficos, quienes llegaron a ofrecer contratos millonarios por firmarlos, sin embargo, dicha cuestión no interesaba lo suficiente al dúo, ya que ellos lo que buscaban era tener el control creativo absoluto y ser dueños totales de sus canciones más que un beneficio económico. Quienes fueron los únicos que garantizaron dicha condición fue Virgin Records, quienes el 16 de octubre de 1996 lograrían firmar con el dúo un acuerdo por diez años. Su partida de SLAM fue señalada por Richard Brown de Soma, quien afirmó que se encontraban tristes por perderlos con Virgin, pero sabían que esa era la oportunidad de ir a lo grande, lo cual querían, debido a que no es muy frecuente que una banda tenga esa oportunidad después de dos sencillos, dando inicio así a una de las carreras más peculiares y enigmáticas de la historia de la música.
“Tenemos mucho más control que el dinero. No se puede conseguir todo. Vivimos en una sociedad en la que el dinero es lo que la gente quiere, así que no pueden tener el control. Nosotros elegimos. El control es la libertad. La gente dice que somos fanáticos del control, pero control es controlar tu destino sin controlar a otras personas”. – Thomas Bangalter
Análisis conceptual de álbumes.
Con un total de cinco álbumes originales, tres remixes y dos en vivo, a continuación, analizaré el concepto de cada uno de sus trabajos originales, abordando el contexto de cada proceso creativo para comprender el propósito de cada uno de los trabajos de Daft Punk:
En este caso, me limitaré a no detallar los álbumes remixes y el primer en vivo debido a que, la común similitud entre todos era buscar una reinterpretación de sus temas pasados.
Homework (1997)
Si hay algo en lo que todos podemos acordar es que este álbum fue uno de los debuts más anticipados en la historia de la música.
Daft Punk realizó este álbum sin tenerlo planeado, inclusive Bangalter llegó a declarar:
"Se suponía que sólo serían un montón de sencillos. Pero hicimos tantos temas que nos dimos cuenta de que teníamos un buen álbum".
El dúo trabajó en este proyecto en un periodo de solo cinco meses en el estudio casero de Thomas que llamarían Daft House y fue masterizado por Nilesh Patel en el estudio londinense The Exchange, sin embargo, fue el resultado de distintas pruebas que realizaron en diversas fiestas en ese periodo de tiempo ya que, como declaró en la cita anterior Thomas, este álbum fue concebido sin pensarse en una idea conceptual fija: fue producto de la obsesión de ambos en querer sacar más y más música, queriendo demostrar que la electrónica era genial.
Analizar líricamente a Daft Punk es un trabajo que no resulta tan atractivo en sus primeros dos trabajos, ya que esto no era prioridad para ellos. Su principal enfoque está en la musicalización de sus proyectos que fue sumamente revolucionario y marcaría el nacimiento de un nuevo género: el Electronic Dance Music, o simplificado como EDM. Incorporando distintos elementos que habían previamente incursionado, este álbum tiene funk, acid, gospel, house, disco y techno.
Pero, lo que realmente marcaría este álbum sería el trabajo que realizaron con sus dos sencillos estrella: Da Funk y Around the World.
Da Funk ya tenía año y medio de haber sido lanzado, sin embargo, Virgin insistió en relanzar este sencillo en lo que sería su nuevo álbum, prometiendo inclusive un video musical para apoyar dicho movimiento. Más adelante detallaré el impacto que generó dicho trabajo en conjunto con el múltiple veces premiado director, Spike Jonze, pero, a grandes rasgos, este video impulsó la popularidad del sencillo a niveles que inclusive llegaron a sobrepasar el éxito comercial del álbum, lo que inclusive llegó a cuestionar al dúo y a la disquera si hubiera sido necesario haber lanzado un LP.
En cuanto Around the World, de igual forma me adentraré más adelante ya que su importancia recae, nuevamente, en su video musical, pero como un pequeño adelanto de esto, fue gracias a ello que comenzaría a nacer la emblemática imagen robótica de Daft Punk.
Discovery (2001)
Sin lugar a duda, este álbum fue el que terminó por catapultar a la fama a Daft Punk y fue el que revolucionó por completo el cómo se haría la música electrónica de los años siguientes.
Tras la publicación de su álbum debut, Thomas y Guy-Manuel pasaron la mayor parte de 1997 de gira en su tour Daftendirektour, lo cual les permitió expandir su ambición creativa durante la primera mitad de 1998, ya que el dúo se centró en sus propios sellos personales y en incursionar en el mundo de la cinematografía, de dónde se inspirarían para lo que sería su próximo álbum que estarían trabajando de lleno de 1999 al 2000.
Para este punto de la historia, Thomas y Guy-Manuel ya habían experimentado la fama, sin embargo, dicho reconocimiento sería algo que odiarían debido a que iba totalmente en contra de su ideología donde la música debe ser más grande que el artista que la interpreta.
Sería a partir de aquí que Daft Punk comenzaría un alto énfasis en los álbumes conceptuales los cuales se apoyarían del contenido visual que estarían realizando para acompañar la experiencia musical.
El largometraje Interestella 5555 es solo la punta del trasfondo que comenzó el dúo en este álbum (más adelante detallaré sobre esta película). Se manejó que este proyecto solamente había conmemorado a la infancia de Thomas y Guy-Manuel, de una forma donde la banda quiso incluir su amor por la animación japonesa (anime), el cine y un estilo de vida feliz y sin prejuicios musicales y, aunque todo esto es cierto, Daft Punk comenzaría una sutil, pero constante crítica a la industria música queriendo sacar a la luz la explotación de artistas para el beneficio de grandes empresas olvidando el valor musical.
Musicalmente, el dúo hizo todo lo contrario a su álbum pasado. Aquí quisieron demostrar que el rock era genial, por lo que incorporaron elementos de eurodisco, R&B, disco, jazz, pop, new wave y funk. Es necesario resaltar que este álbum es de aplaudirse en su totalidad, debido a que fue, nuevamente, compuesto desde los hogares de Thomas y Guy-Manuel. Utilizaron el mismo equipo que tenían para Homework, pero aquí trataron hacer temas más concisos que sus trabajos anteriores. Comenzaron a hacer uso de diferentes samplers y sintetizadores para la música, para los vocoders (lírica robotizada), recurrieron a un vocalista de DigiTech y para la producción del álbum incorporaron una PC con Auto-Tune y una versión temprana del programa Logic.
Como mencioné, fue a partir de este álbum que Daft Punk comenzaría a dar mayor énfasis en el aspecto visual de su trabajo y fue aquí donde presentarían por primera vez su mítica imagen robótica.
Hay dos versiones de esta transformación: la ficción y la real.
Ficción.
Siendo esta la versión que se dijo a la prensa, el dúo anunció mediante un video que estaban trabajando en su estudio a las 9:09 am del 9 de septiembre de 1999, cuando su sampler explotó. Debido a la situación, tuvieron que someterse a una cirugía reconstructiva y, al recobrar la conciencia, se dieron cuenta de que se habían convertido en robots de por vida.
Real.
La historia se remonta desde que realizaron el video musical de Around the World junto a Michel Gondry, quien les sugirió utilizar cascos de motocicletas con antenas para dicho video, logrando que quedaran fascinados con la idea de salir en el cortometraje y pasar desapercibidos al respecto.
Al pasar los años, Thomas y Guy-Manuel tendrían una inquietud en conquistar la cultura pop que tanto les fascinaba, sin embargo, se encontraban con dos problemáticas: no se sentían cómodos con la fama y tenían todavía una apariencia adolescente que no ayuda en su imagen. Ante dicha situación, comenzarían a improvisar utilizando máscaras baratas para ocultar parcialmente su rostro, sin embargo, ambos se encontraban en búsqueda de algo que resultara atemporal, llevando al dúo a buscar distintas referencias.
¿Recuerdas la película de El Fantasma del Paraíso? ¿Sí? Perfecto, porque dicha película sería una de las dos principales referencias para el dúo, además, del clásico de acción y ciencia ficción, Robocop, para la idea conceptual que darían al diseñador de maquillaje y efectos especiales americano, Tony Gardner, quien diseñaría los emblemáticos cascos en este renacer del dúo francés.
Human After All (2005)
Lamentablemente, este ha sido considerado por muchos como el peor trabajo de Daft Punk (lo cual estoy en total desacuerdo) y, curiosamente, es el álbum con el concepto más desarrollado por ellos. Este proyecto tiene un fuerte mensaje crítico que resultó ignorado por la gran mayoría de los escucha y vale la pena abundar en ello.
Después del exitoso cambio de imagen, el dúo había adquirido un aura de misterio alrededor de ellos, ya que comenzarían a alejarse totalmente de los medios y dejarían de realizar conciertos. Aunque nunca optaron por buscar el anonimato total de sus identidades, decidieron ir contando su percepción de diversos temas a través de sus personajes robóticos.
Este álbum fue concebido conceptualmente rápido: doce días, y fue grabado en solo seis semanas.Thomas declaró que en este proyecto buscaron hacer todo lo contrario a su antiguo álbum acudiendo a realizar un álbum incómodo de escuchar, pero con una mayor calidad en el sonido y una mayor espontaneidad. Lo cual lograría dividir a sus seguidores y a la crítica debido a que no es un álbum divertido de escuchar (ojo, no significa que sea malo, de hecho, es todo lo contrario, es destacable).
Conceptualmente es un álbum denso y oscuro, en momentos desalentador, confuso, ¡y todo eso es a propósito!
Este proyecto presenta una duda desde la perspectiva de los dos robots que buscan encontrar el valor humano dentro de ellos en un mundo donde la tecnología creció tanto, que convirtió a todos en clones de comportamiento, olvidando lo que, como dice el nombre del álbum, nos hace humanos después de todo.
Este fue el primer álbum donde la lírica comenzaría a tener un papel más allá que sólo agregar dinamismo a la musicalización del proyecto.
Daft Punk comenzaría a darle “voz” a sus personajes mediante la distorsión invasiva a distintas líneas con un fuerte mensaje crítico hacia la tecnología, las grandes empresas y hacia la misma sociedad debido a nula atención que percibe ante los cambios. Algo tan sencillo como ver los títulos de las canciones que nos presentan en este álbum nos muestra parte de esta poderosa crítica del dúo francés. Musicalmente, es un trabajo que comenzaría a hacer más pesada su música, incorporando poderosas guitarras distorsionadas y el uso de sintetizadores estruendosos minimalistas.
Este álbum originó una situación complicada para Daft Punk, ya que no pudo ser promocionado por la misma complejidad del concepto y, además, la crítica generalizada opacó el mensaje que cargaba, llegando a solamente enfocarse en que “no resultaba igual de divertido y fresco que su antecesor”, lo cual llevaría al dúo a cuestionarse que harían de su carrera después.
Si, lo sé, suena absurdo que un mensaje tan fuerte no haya logrado ser captado en su totalidad, pero así sucedió.
Pero, afortunadamente, hubo personas que lograron entender el mensaje detrás, lo cual convirtió a este proyecto en uno de los más referenciados como inspiración de la nueva generación de DJs de house y, además, convertirse en un consentido de los mayores fanáticos del dúo.
Para este proyecto estrenaron la película Electroma en el 2006 (la cual más adelante detallaré igual que el resto de sus producciones), quien presentaría una escena que dejaría con la duda a los seguidores del dúo sobre la continuidad de ellos en la música, ya que en dicho largometraje, Thomas y Guy-Manuel explotan e incendian, respectivamente, a su personaje robótico.
Una de las citas que, en lo personal, me parecen más tristes en la historia de la música nació gracias a este álbum, ya que Thomas, viendo la recepción mixta que se recibió, declaró:
“Pensamos que el disco hablaba por sí mismo”.
Alive 2007 (2007)
Quizá este álbum sea de los poquísimos casos en los cuales valga la pena analizar el impacto positivo que generó un concierto en la carrera de algún artista.
Me atrevo a incluso asegurar que es una de las mejores giras de la historia de la música. Así de importante fue este álbum para el resurgimiento del gran dúo francés.
Aquí no hay un concepto detrás, lo que hay es una historia digna de cualquier película de Hollywood.
Desde 2005, se buscó que Daft Punk formara parte del emblemático festival de música, Coachella. En dicha ocasión se les había hecho una oferta de $250,000 dólares, la cual rechazarían debido a que encontraban trabajando en Human After All, el cual resultaría en un fracaso en ventas y poniendo en una situación delicada de continuidad al dúo.
Ante la incertidumbre de no saber qué seguiría para ambos, en 2006 recibirían una segunda oportunidad para participar en Coachella. Ante la sorpresa de Thomas, Guy-Manuel y su equipo, a los organizadores no les había importado el fracaso del álbum anterior, ya que llegaron a ofertar $300,000 dólares para su participación, a lo cual accedieron solamente con una condición: recibir un adelanto superior al 15% para la producción del espectáculo.
Resulta sorprendente que haya podido mantenerse en secreto todos los meses previos al festival lo que estaba planeando Daft Punk, inclusive su mánager desconocía qué era lo que Thomas y Guy-Manuel estaban planeando, pero así sucedió: el dúo francés sabía que tenía que aprovechar esta situación para volver a lo grande, ya que un fallo más los condenaría de por vida.
Así fue cuando el 29 de abril de 2006 se presentarían en una carpa destinada para solo diez mil asistentes, sin embargo, dicho número quedaría lejos de la cantidad real, ya que se llegó a reportar que sobrepasaron los cuarenta mil asistentes quienes aplaudieron el perfomance realizado debido a la espectacular escenografía donde colocaron una pirámide LED central, además de pantallas y luminarias que complementaban el espectáculo visual, dejando atrás el fracaso por Human After All.
Fue el renacer de Daft Punk y, gracias a esa noche, optaron por volver a los escenarios en la gira titulada Alive 2007, donde recorrieron el mundo para darse cuenta de que su público los seguía amando.
TRON: Legacy (2010)
Mi compositor favorito en el mundo cinematográfico es, sin lugar a duda, Hans Zimmer (amigos, les prometo que eventualmente habrá un análisis a esta leyenda viviente de la música), sin embargo, la banda sonora que más me marcó fue esta. Todavía recuerdo que mi papá me llevó al cine un 25 diciembre de 2010 a ver TRON. En ese entonces tenía solo doce años, pero sabía de la existencia de Daft Punk y que había participado en la película, lo que nunca me imaginé antes de ingresar a la sala del cine fue que olvidaría por completo la trama, pero no la música.
La historia comenzó cuando en 2007, el director de la película, Joseph Kosinski y el supervisor musical, Jason Bentley, se acercaron a Daft Punk y le pidieron al dúo que compusieran la partitura de la película, sin embargo, ellos se encontraban de gira en ese momento y tuvieron que esperar a que fuera concluida.
Si bien, Disney no estaba dispuesta a esperar más del tiempo necesario por Daft Punk, Kosinski insistió en que era clave la participación de ellos para la concepción global de la película y fue hasta 2008 cuando comenzarían el proceso de grabación durante los dos próximos años.
Conceptualmente, es un álbum sin lírica, pero épico musicalmente hablando. Este proyecto representa la dualidad de una persona, donde por momentos es un héroe, pero en otros vive bajo la duda y la oscuridad.
Para este proyecto, Thomas y Guy-Manuel se dividieron la composición de los temas: Thomas se encargó de las canciones heroicas, mientras que Guy-Manuel se encargaría de las canciones más oscuras, sin embargo, contarían por primera vez en su carrera con la oportunidad de trabajar con una orquesta. Este álbum fue todo un desafío para ellos, ya que nunca habían requerido colaborar con tantas personas para un álbum y en ese entonces tuvieron que enfrentarse a una orquesta de ochenta y cinco miembros, liderados por Joseph Trapanese.
Amigo lector, es bastante curioso que TRON haya sido una película que pasó sin pena, ni gloria, realmente es una película que pocas veces es recordada por las masas, pero este proyecto musical no pasó por ello, todo lo contrario, es un álbum que logró conquistar a aquellos que todavía dudaban del nivel de artistas que son Thomas y Guy-Manuel, comenzando por ellos mismos, que se darían cuenta de lo que eran capaces de hacer más allá de solo estar ellos en sus temas.
Random Access Memories (2013)
Si a alguien, previo al lanzamiento de este álbum, le preguntabas cuál era su opinan con respecto a Daft Punk, te daría una descripción de un ícono de la música, sin embargo, gracias a este álbum Thomas y Guy-Manuel pasaron a convertirse en leyendas vivientes de la música.
Poco después de terminar su gira Alive 2007, Daft Punk comenzó a trabajar en nuevo material en 2008, grabando demos durante aproximadamente seis meses. Si bien, estaban satisfechos con las composiciones, todavía no estaban seguros del uso de diversos samples y loops. Dichas grabaciones se suspendieron debido a su participación en la banda sonora de TRON, pero, fue gracias a dicho proyecto que el dúo descubrió la magia detrás de las colaboraciones.
Comprendieron que la música no tenía que ser obligatoriamente siempre digital, aunque ellos fuesen “robots”.
Así fue cuando, después de TRON, regresarían al proyecto que habían dejado pendiente con una idea más clara de a dónde querían encaminar la concepción del álbum: música en directo.
Conceptualmente, es bastante bello. Se trata de la unión entre la tecnología y la experiencia humana para conmemorar al pasado, como declaró Thomas:
"Estábamos trazando un paralelismo entre el cerebro y el disco duro - la forma aleatoria en que se almacenan los recuerdos"
Profundizando aún más en el concepto, Daft Punk consideró que, si bien la tecnología actual permite una capacidad ilimitada para almacenar material grabado, el contenido producido por los artistas contemporáneos había disminuido en calidad. Por lo tanto, su objetivo era maximizar el potencial de almacenamiento infinito mediante la grabación de una gran cantidad de elementos tratando de establecer conexiones a partir de la serie de ideas aleatorias.
Este ha sido el primer álbum que, propiamente, tiene un trabajo lírico más cercano a lo que todos conocemos, ya que las colaboraciones de Giorgio Moroder, Julian Casablancas, Pharrell Williams, Paul Williams, Todd Edwards y Panda Bear, acompañaron a las robóticas voces de Thomas y Guy-Manuel para abordar temas sobre los recuerdos del amor en común de todos ellos: la música. Es un tributo agradeciendo a la música de haber estado en momentos de amor, emoción, fiesta y los diversos sentimientos que evocan el acompañamiento musical en la vida.
Musicalmente, vaya, este álbum demuestra la sensibilidad que tiene Daft Punk para crear melodías. Con una clara intención de conmemorar a los clásicos sonidos de los setenta y ochenta, el dúo francés decidió transformar los samples y los loops digitales por unos en directo, logrando captar toda la calidez emitida por el sonido de cada uno de los instrumentos. De nueva forma, este apartado fue posible a las colaboraciones del legendario Nile Rodgers, Julian Casablancas, Chilly Rodgers, Greg Leisz, Chris Cadwell, Paul Jackson, Jr., Nathan East, James Genus, John Robinson, Omar Hakim, Quinn y Thomas Bloch. Estoy seguro de que gran número de los nombres es muy posible que los desconozcas, ¡y no te sientas mal por ello!, con excepción de Rodgers y Casablancas, todos los demás son músicos de sesión que formaron parte de históricos álbumes de Eric Clapton, Michael Jackson, Phil Collins, Quincy Jones, David Bowie, Sting, Gorillaz, por solo mencionar unos cuántos.
Este álbum rinde tributo a estos grandes artistas que no suelen recibir los reflectores y suelen conseguir que las canciones se vuelvan memorables.
Visualmente fue un proyecto donde el dúo busco capturar esa esencia emitida de los anuncios publicitarios de diversos artistas y bandas del pasado, reflejando el concepto del álbum. Rob Stringer, CEO de la discográfica Columbia, encargada de este proyecto, recordó que el dúo le había mostrado el libro Rock 'n' Roll Billboards of the Sunset Strip como un ejemplo de lo que querían, ya que ambos consideraban que las vallas publicitarias físicas son más impactantes que los anuncios publicitarios.
Datos curiosos:
Tanto Homework como Random Access Memories comparten un pequeño detalle que puede llegar a satisfacer a muchos, ya que ambos álbumes tienen una duración de setenta y cuatro minutos, el cual es el límite de capacidad de almacenamiento de un CD estándar.
Cada pista de Discovery utiliza un desfasador diferente (es una técnica de composición en la que se toca la misma parte en bucle de dos instrumentos musicales, en tempo regulares, pero no idénticos.
Los cascos originalmente iban a ser utilizados con pelucas, sin embargo, esto fue descartado minutos antes de la primera sesión de fotos con ellos.
Cada casco les costó a Thomas y Guy-Manuel una cifra cercana a los $65,000 dólares, esto debido a la complejidad de mecanismos que incluye el casco y, además, la confidencialidad y exclusividad total del diseñador Tony Gardner.
Cada CD de Discovery incluía una tarjeta de membresía del Daft Club con un número único que proporcionaba acceso personalizado al sitio web. Dicho servicio terminó en 2003, pero la mayoría de los temas fueron luego compilados en el álbum de remezclas Daft Club.
El dúo rechazó trabajar en los inicios de sus carreras con Janet Jackson, Madonna y George Michael. Así de valientes fueron estos muchachos.
Daft Punk señaló que la canción Touch interpretada por Paul Williams, es una de las piezas más complejas que han realizado, ya que está compuesta por más de 250 elementos.
Si bien, Thomas y Guy-Manuel se formaron en un ambiente musical donde la abundancia de las drogas se encuentra presente, ellos nunca se han drogado, ya que, de acuerdo con Thomas “les hace perder el enfoque en los detalles”.
El logo del grupo fue diseñado por Guy-Manuel.
Nunca se confirmó el siguiente dato, pero tampoco fue desmentido: se dice que para para el espectáculo de Coachella en el 2006, Daft Punk agotó el almacén de LEDs de California debido a lo poco habitual que eran en esa época.
El tema Giorgio by Moroder tiene una curiosidad imperceptible, pero que resulta bastante peculiar: la historia de Giorgio fue grabada con tres micrófonos de distintas épocas, esto con el objetivo de utilizar el micrófono setentero en el fragmento donde habla de su pasado, el micrófono noventero en la parte donde narra su carrera musical y el micrófono moderno para platicar su vida actual. Esto le pareció absurdo a Giorgio ya que la diferencia de sonido es prácticamente imperceptible y solo teniendo un visualizador de música con los másteres podría ser notarlo, por lo que preguntó al ingeniero de grabación, Peter Franco, para qué lo hacían, a lo que el respondió “créeme, ellos lo notarán”, señalando a Thomas y Guy-Manuel mientras preparaban todo para la grabación.
Volviendo a Coachella 2006, varios críticos y fanáticos dicen que el 29 de abril, fecha en que se presentó Daft Punk, nació el género EDM.
Los másteres de Random Access Memories son piezas únicas.
Tanto Thomas y Guy-Manuel se sienten incómodos saliendo al público debido a la presión social, pero han grabado cuatro comerciales a lo largo de su carrera para GAP, Adidas, Sony Ericsson y Vogue.
Y hablando del comercial de Vogue, para dicha grabación nunca se quitaron los cascos.
El proceso de grabación de Random Access Memories fue realizado con una estricta condición de hacerlo como solía hacerse en los setenta.
Thomas y Guy-Manuel fueron nombrados en Francia, Chevaliers, es decir, Caballeros de las Artes y las Letras.
En 2011, Coca-Cola distribuyó botellas de edición limitada diseñadas por Daft Punk, llamadas Daft Coke, pero sólo se vendieron en Francia, sin embargo, existe una nueva versión de estas botellas como artículos de colección donde, en algunas partes de las botellas como la tapa y el logo de Coca-Cola, están chapadas en oro.
Impacto en la música.
Daft Punk son un ejemplo de superación: nacieron como una reivindicación de un proyecto musical fallido y crecerían lo suficiente para ser un referente para todo aquél nuevo artista que surgiera después del 2000. Sin embargo, el legado musical solo es la punta de todo lo que trabajaron Thomas y Guy-Manuel, los cuales, deben ser tomados en cuenta la próxima vez que alguien llegue a cuestionar el gran mérito que tiene el dúo francés:
No buscan el reconocimiento personal.
Algo que suele pasar por desapercibido es que Daft Punk está en los puestos más altos de la música, pero Thomas y Guy-Manuel decidieron que sus nombres no estuvieran en dichos lugares. Su motivación no es la fama, ni el dinero, ni el reconocimiento personal, lo que verdaderamente les motiva es su música y que esta sea la que trascienda. Se percataron de ello en su primera fiesta de rave cuando apenas tenían diecisiete y dieciocho, cuando observaron que el DJ no importaba para que la gente bailara, lo único que importó es que la música fuera buena y esa misma mentalidad la han manejado a lo largo de su carrera donde, si bien su imagen es sumamente elaborada y llamativa, esto no logra opacar la calidad de su trabajo en la música.
Obsesión por su pasión.
Muchas veces lo hemos escuchado, pero pocas veces lo hemos hecho. Como diría Kanye West en su canción Feedback: “nombra un genio que no esté loco”. Es difícil apreciar la ardua dedicación que existe por parte Thomas y Guy-Manuel debido a que no suele ser bien visto el entregarte tan obsesivamente a algo que te apasiona por el miedo en poder fracasar en ello, pero Daft Punk es el ejemplo de cómo combinar el creer en ti y trabajar en ello para conseguirlo. A lo largo de su carrera han pasado por difíciles momentos: una crítica negativa disolvió su primer grupo, se les cuestionó el por qué leer los instructivos de sus aparatos cada mes, se les señaló por querer esconder su identidad, el álbum Human After All casi terminó con su carrera y, todo esto, teniendo todavía que lidiar con la fobia social y la timidez, pero con un objetivo claro: luchar por su pasión, la música.
Valorar su arte.
Espero que este punto rebote constantemente en todos quienes hayan leído este análisis, porque es algo que pocos logran entender a lo largo de la vida: el valor del trabajo. Gran parte del éxito temprano de Daft Punk fue gracias a los consejos que recibieron del padre de Thomas, Daniel Vangarde. Si bien, el no influyó en el camino creativo que tomarían, les daría a conocer anticipadamente cómo funcionaba la industria de la música. Gracias a él, el dúo supo la triste situación donde los artistas solo son vistos como productos, menospreciando su talento y dando a entender que nadie es indispensable, desvalorando la trascendencia musical. Ahora, ¿qué tiene que ver esto con cada uno de nosotros? Sencillo: valorar tu trabajo. Daft Punk impactó en la vida de miles de artistas como Skrillex, Kanye West y LCD Soundsystem sobre cómo luchar por tu trabajo, darle su verdadero valor y no aceptar que un sistema dictamine hasta dónde puedas llegar.
Impacto en la cultura popular.
El deseo del dúo de influir en la cultura pop es algo que cumplieron con creces. Son, sin lugar a duda, el acto musical más icónico del nuevo milenio y, decir eso, podría resultar en una interesante discusión, ya que existe una larguísima lista de artistas y bandas que han dejado huella para la posteridad.
Siendo amantes de distintos de arte, Thomas y Guy-Manuel han logrado dejar su huella en todo lo que les ha apasionado a lo largo de su vida:
Cine.
Quien diría que esos niños parisinos de doce y trece años eventualmente podrían desarrollar una de sus más grandes pasiones de forma tan distintiva. Desde los inicios de sus carreras, el dúo supo que su música tendría que juntarse con su visión para así transmitir en su totalidad su mensaje de autenticidad entre sus seguidores.
D.A.F.T. (1999)
Es una colección de videos creada por Daft Punk que fue lanzada en 1999, en la que presentan los videos musicales de Around the World, Da Funk y Fresh, Burnin' y Revolution 909. Si bien, no hay una trama sólida que vincule un video con el otro, es cierto que fue gracias a esta recopilación donde el dúo experimentó por primera vez la creatividad visual de una forma irreverente y, a la vez, llamativa.
Interestella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem (2003)
Me atrevo a afirmar que gracias a este proyecto fue que la gran mayoría de nosotros conocimos a Daft Punk gracias al video musical de One More Time, el cual fue un extracto de esta película. Creada en colaboración entre Daft Punk y, la leyenda del anime y manga espacial, Leiji Matsumoto. La concepción de este proyecto es el sueño de la infancia de muchos de nosotros, ya que Thomas y Guy-Manuel crecieron viendo el anime Space Pirate Captain Harlock de Matsumoto y fue uno de los motivos por el cual iniciaron su amistad, por lo que este proyecto tiene un gran valor personal para ambos. La idea nació durante las primeras sesiones de grabación del álbum Discovery.
El concepto fue desarrollado por Daft Punk y Cédric Hervet en donde buscaron fusionar la ciencia ficción con la cultura del entretenimiento para abordar un tema central de crítica hacia la industria de la música.
Los tres plantearon que la historia se desarrollaría en el espacio y en la ciudad de Tokio con la esperanza de crear la película con su héroe de la infancia, Leiji Matsumoto, quien, cuando se enteró de dicho proyecto, declaró haberse sentido sumamente honrado, por lo que accedió a unirse a la tercia para darle su característico estilo visual junto a su equipo conformado por sus colegas, Shinji Shimizu para producir la animación y Kazuhisa Takenouchi para dirigir la película.
La producción de esta película comenzó en octubre de 2000 y terminó en abril de 2003, pero no fue apoyada económicamente por Virgin, su disquera, al tratarse de un proyecto bastante costoso (el cual rondó cerca de los cuatro millones de dólares), por lo que el dúo decidió comprometer su estabilidad económica con el fin de poder de solventar los gastos junto a Toei Animation.
La película no tiene diálogos ya que la misma narrativa es manejada en su totalidad por cada uno de los temas del álbum Discovery y es, sin lugar a duda, una obra audiovisual obligada para cualquier amante de la música.
Electroma (2006)
Esta película marcó un antes y después del dúo. Nada seguiría igual para ellos después de la proyección de proyecto en el Festival de Cannes el 21 de mayo de 2006.
Daft Punk inicialmente filmó imágenes para un video musical de la canción Human After All, pero en su lugar expandió el contenido para este largometraje, es decir, fue una extensión no planeda de la filmación. La película fue rodada bajo la cinematografía de Thomas, quien se preparó leyendo más de 200 copias de American Cinematographer. El rodaje de fue llevado a cabo en el condado Inyo, California, a lo largo de once días.
La historia resulta en un acompañamiento esencial para poder comprender el “complejo” concepto del álbum Human After All (entre comillas, porque realmente no es complicado de entender, pero las críticas dijeron lo contrario).
------------------------ SPOILER--------------------------
(Si gustas ver primero la película, sáltate hasta la parte de TRON: Legacy)
El largometraje cuenta el viaje de dos robots (quienes son Daft Punk) en su deseo por convertirse en humanos en una sociedad donde todos son robots idénticos a ellos. Los dos se dirigen a una instalación de alta tecnología donde se les vierte látex líquido sobre sus cabezas moldeándoles rostros humanos con la ayuda de prótesis y pelucas. Cuando los dos salen de la instalación, los habitantes de la ciudad se sorprenden por su apariencia humana y la gente del pueblo comienza gradualmente a perseguir al dúo, cuyos rostros finalmente se funden con el sol. Los dos se refugian en un baño público donde el robot dorado se deshace de su arruinada máscara, y luego anima al reacio robot plateado a hacer lo mismo. Apareciendo de nuevo como robots, la pareja se somete a una larga caminata a través del desierto.
Después de caminar durante un largo período, el robot plateado reduce la velocidad y se detiene, retirarse su chamarra y pedirle al robot dorado accione un interruptor en su espalda iniciando así con un temporizador, el cual concluiría con la autodestrucción del robot. Después de eso, el robot restante amontona los restos del robot plateado, y luego continúa caminando.
El robot dorado finalmente cae de rodillas e intenta alcanzar el interruptor sobre su propia espalda, pero sin éxito, lo cual lo lleva a caer en la locura llegándose a quitar el casco para eventualmente destruirlo. Usando uno de los fragmentos como un vidrio ardiente, el robot enfoca la luz del sol para encender su mano, terminando la película con el robot, completamente en llamas por la oscuridad del desierto.
Esta película dejó en incertidumbre a los fanáticos de la banda, ya que se llegó a pensar que esta había su forma de dar a conocer su retiro de la música y, sumado a la mala recepción del álbum, reforzó dicha teoría, la cual afortunadamente resultó en solo especulación.
TRON: Legacy.
Amigo lector, ya hablé sobre esta participación más arriba, solamente decidí incluir aquí tal trabajo para recordar el impacto en el cine del dúo 😊.
Daft Arts.
Todos los proyectos del dúo son gracias esta compañía de producción que fue fundada por Daft Punk. Dirigida por el director de la compañía, Paul Hahn, es clasificada como una compañía de Instalaciones para la Producción de Estudios Cinematográficos. Establecida en 2005 e incorporada en California, esta compañía fue la encargada de la concepción visual tan característica del dúo y los ha acompañado a lo largo de sus carreras desde su fundación, sin embargo, en 2018 se disolvería dicha compañía.
Televisión.
Todos, absolutamente todos los videos musicales de Daft Punk han sido pensados para generar un tipo de impacto en sus fanáticos, es por ello que la importancia de cada uno de ellos en la historia de la banda vale la pena ser analizada a detalle, sin embargo, aquí me centraré en los cuatro videos más emblemáticos de la banda (sin acudir a la evidente faltante de One More Time, debido a que ya fue analizada la película a la cual pertenece)
Da Funk (Dir. Spike Jonze)
Es curioso que este video haya sido tema de discusión entre los fanáticos del dúo, sin embargo, Thomas ha declarado que realmente no hay un mensaje oculto, más allá de la historia de un hombre-perro, llamado Charles, el cual es atacado y señalado por su música, mientras camina en un barrio de Nueva York.
Sin embargo, este video marcaría el inicio de la proyección creativa el dúo parisino, presentando una imagen donde, sin salir ellos en el video, cautivaron a millones.
Around the World (Dir. Michel Gondry)
Este video sería la primera vez donde Thomas y Guy-Manuel se pondrían unos cascos. Así de importante es este video para la historia del grupo, aquí nació la magia detrás de la emblemática imagen.
El video muestra a cuatro robots caminando en círculo sobre una plataforma (que representa un disco de vinilo), cuatro atletas altos con chándales con pequeñas cabezas protésicas subiendo y bajando escaleras, cuatro mujeres vestidas como nadadoras sincronizadas subiendo y bajando otro conjunto de escaleras, cuatro esqueletos bailando en el centro del "disco", y cuatro momias bailando al ritmo del patrón del tambor de la canción.
Esta es una representación visual de la canción; cada grupo de cuatro personajes representa un instrumento diferente:
Los robots representan la voz cantante.
Los atletas simbolizan el bajo ascendente/descendente.
La feminidad de las chicas de la discoteca representa el teclado.
Los esqueletos bailan en la línea de la guitarra.
Las momias representan la caja de ritmos.
Y si te lo estás preguntando, si, tanto Thomas como Guy-Manuel salen en el video disfrazados bailando como robots.
Technologic (Dir. Daft Punk)
¡Que emblemático video!, seguro todos recordamos haberlo visto en algún momento y estar perturbados por la marioneta que da “voz” al tema.
Este video continuó la temática de Human After All en hacer despertar a los fanáticos del dúo sobre el rumbo dependiente que existe sobre la tecnología y lo sombrío que puede llegar a ser.
Mostrando al dúo en un set de temática piramidal (si, este video fue la principal inspiración para la gira Alive 2007), interpretan la canción con dos guitarras, mientras que la letra parpadea en una pantalla roja y es cantada por un robot blanco-negro con dientes.
Get Lucky.
Amigos, investigué bastante para saber quién es el director de este video, pero no encontré dicho dato, si ustedes lo saben, por favor, háganmelo saber en los comentarios. ¡Gracias!
El regreso triunfal de Daft Punk acompañados de Pharrell Williams y Nile Rodgers, una de las canciones más viralizadas y populares de la historia de la música. ¿Qué más se puede decir al respecto? ¡Cierto!, que actualmente el video oficial dejó de existir en el canal de Daft Punk de YouTube.
Música.
Creo que está demás el resaltar que Thomas y Guy-Manuel son unos brillantes productores que han sabido manejar su talento para poder apoyar a otros grandes artistas a lo largo de su carrera. Dentro de las colaboraciones más importantes que han realizado para un proyecto externo al de ellos están:
Kanye West.
N.E.R.D.
LDC Soundsystem.
Phoenix.
Arcade Fire.
Pharrell Williams.
The Weeknd.
Premios.
Finalmente, por más increíble que parezca, Daft Punk es un grupo que no ha ganado tantos premios a lo largo de su carrera, teniendo solamente doce y estos son:
2009. Grammy. Mejor álbum dance/electrónico por Alive 2007.
2009. Grammy. Mejor canción dance por Harder, Better, Faster, Stronger (Alive 2007)
2010. AFCA Award. Mejor banda Sonora por TRON: Legacy.
2011. IFMCA Award. Mejor banda sonora original para una película de fantasía, ciencia, ficción y terror por TRON: Legacy.
2011. DFCS Award. Mejor banda Sonora por TRON: Legacy.
2014. Brit Award. Mejor grupo internacional.
2014. Grammy. Mejor actuación de un dúo o grupo de música pop por Get Lucky.
2014. Grammy. Mejor Álbum de Baile/Electrónica por Random Access Memories.
2014. Grammy. Mejor grabación del año por Get Lucky.
2014. Grammy. Mejor producción de un álbum no clásico por Random Access Memories.
2014. Grammy. Álbum del año por Random Access Memories.
2016. MTV Europe Music Award. Mejor video por Starboy con The Weeknd.
Conclusión.
La música actual no sería lo mismo sin Daft Punk. El dúo ha demostrado a lo largo de su carrera la valía de la música y no del artista, demostrando que esta mentalidad es una que pocos (realmente pocos) artistas en la actualidad han comprendido.
No queda más que decir que Thomas y Guy-Manuel se encuentran en un punto de su carrera donde pueden permitirse ausentarse por casi siete años de proyectos propios y seguir manteniendo a sus fanáticos a la expectativa de cualquier proyecto que los involucre. No es broma, hace unos días salió el rumor que volverían a realizar música para una película y esto causó demasiada emoción entre sus seguidores, pero esto no fue oficializado hoy en día. Eso es el poder, respeto y admiración que ha logrado el dúo parisino.